La Maschera di Tespi

Dal 12 al 22 febbraio 2026 il palcoscenico del Teatro Sala Umberto in Roma accoglie una delle commedie più attese della stagione: “Come sedurre un femminista”, scritta da Samantha Ellis e diretta da Susy Laude. Protagonisti in scena sono proprio la stessa Laude insieme a Dino Abbrescia, coppia artistica affiatata che promette di conquistare il pubblico con una storia brillante e attuale.

La trama ruota attorno a Kate, una giornalista arguta e ormai disillusa dalle relazioni, stanca di uomini narcisisti e manipolatori. L’incontro inatteso con Steve, durante una festa in maschera, dà il via a una serie di situazioni imprevedibili in cui ironia e profondità si intrecciano, offrendo spunti di riflessione sulle dinamiche sentimentali moderne.

Il testo di Ellis, già apprezzato per la sua capacità di affrontare temi complessi con leggerezza e intelligenza, trova nella regia di Laude un equilibrio tra comicità e introspezione, mentre la chimica tra i due interpreti regala momenti di autentica emozione e divertimento.

L’appuntamento con la prima stampa è fissato per il 19 febbraio, ma gli spettatori potranno immergersi nell’atmosfera della commedia per oltre una settimana. Un’occasione imperdibile per chi ama il teatro che sa far ridere e pensare, e per chi desidera riflettere sulle relazioni di oggi senza rinunciare al sorriso.

Carlo Marino

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Per la Stagione Teatrale 2025–2026 al Teatro Parioli Costanzo di Roma, dal 12 al 15 febbraio 2026, approda Il Calamaro Gigante, adattamento scenico dell’omonimo romanzo di Fabio Genovesi, con Angela Finocchiaro e Bruno Stori, protagonisti di un attraversamento poetico e visionario che interroga il senso stesso dell’esistere. Un’opera che, sotto la regia di Carlo Sciaccaluga, si configura come racconto iniziatico, parabola contemporanea e dichiarazione d’amore per il rischio, per il desiderio, per quella parte sommersa dell’essere umano che chiede ascolto e spazio. A partire da una vicenda individuale, lo spettacolo si espande in una costellazione di storie, figure e apparizioni che compongono un atlante emotivo sul coraggio di scegliere, sull’urgenza di disobbedire alla rassegnazione, sulla possibilità – sempre aperta – di una felicità non addomesticata.

La vita di Angela, costretta dai rigidi binari della società, è insoddisfacente. Quando rientra a Milano per la cena dell’ufficio rimane bloccata nel traffico dei vacanzieri di ritorno dal mare. Allora Angela maledice tutta quella gente, e maledice pure il mare finché un’onda la porta via, travolgendo e stravolgendo la sua vita. In un vortice fuori dal tempo e dallo spazio, dove trova un tipo strano e antiquato, Montfort, Angela inizia questo viaggio assurdo, dove ogni onda porterà i due protagonisti a vivere le avventure di donne e uomini che invece hanno avuto il coraggio di abbracciare il mare e la vita come un’unica, strabiliante meraviglia.

Fabio Genovesi ha scritto:”Il Calamaro Gigante propone insomma un approccio vitalistico, appassionato e coraggioso alla vita, la nostra e quella del pianeta intorno a noi. È un’ode al tuffarsi, al credere nei nostri sogni, alle scelte coraggiose e originali, quelle in cui si rischia qualcosa, ma proprio in questo modo rischiamo di essere felici.”

Carlo Marino

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Il Collettivo 012 torna sul palcoscenico con un nuovo spettacolo liberamente ispirato a una storia vera, portando la propria cifra stilistica e la forza della drammaturgia condivisa presso la sala black di Spazio Diamante. La produzione, firmata Zerkalo, si distingue non solo per la coralità della narrazione ma anche per la capacità di trasformare un’esperienza reale in un percorso teatrale coinvolgente e ricco di emozione.

La drammaturgia collettiva è stata realizzata da Giulia Agosta, Matteo Bianchi, Lorenzo Franzin, Anastasia Germano, Camilla Grasso, Matteo Lenoci, Domenico Lomuscio, Roberto Marra, Pawel Palus, Caterina Panconesi, Gianpietro Patania, Beatrice Ripa e Gabriele Rollo. Un gruppo affiatato che ha saputo intrecciare le proprie voci in un racconto unico, dove la verità dei fatti si fonde con la libertà espressiva del teatro.

Gli interpreti – tra cui spiccano Giulia Agosta, Matteo Bianchi, Lorenzo Franzin, Camilla Grasso, Matteo Lenoci, Andrea Maiorca, Roberto Marra, Pawel Palus, Caterina Panconesi, Beatrice Ripa e Massimiliano Viola – sono guidati dalla regia di Gianpietro Patania. Le luci e la tecnica sono affidate ad Andrea Hegedus, che contribuisce a creare un’atmosfera suggestiva e avvolgente, elemento distintivo delle produzioni di Spazio Diamante.

Nell’estate del 1943, Maddalena e Bruno si incontrano durante una festa di paese, dando vita a un amore intenso e tormentato che nasce in un’Italia attraversata dalla guerra e dal patriarcato. Quando Bruno è obbligato ad arruolarsi, Maddalena compie un gesto estremo per cercare di salvarlo, segnando profondamente il loro destino. Da queste vicende nasce un romanzo, scritto da Bruno come testimonianza d’amore e resistenza, nonché memoria di una lotta personale e politica per un mondo migliore.

Nell’autunno del 2025, a un anno dalla scomparsa di Bruno, i suoi sei nipoti si ritrovano con l’intento di esaudire il suo ultimo desiderio: pubblicare il romanzo. La riunione familiare fa emergere fragilità, conflitti e solitudini di una generazione smarrita, cresciuta nel solco dei valori trasmessi dai nonni Maddalena e Bruno, figure fondamentali della loro infanzia. L’equilibrio precario viene sconvolto dall’arrivo inaspettato di Diego, cugino dimenticato e scienziato visionario, accompagnato da Ascanio, un’intelligenza artificiale umanoide. Quando Ascanio ascolta la storia dei nonni, effettua un controllo dei fatti che rivela verità sconvolgenti sulla famiglia. Si sviluppa così un racconto teatrale dove amore, eredità, tecnologia e memoria si intrecciano, e passato, presente e futuro si trasformano reciprocamente.

Lo spettacolo rappresenta un’occasione unica per il pubblico di immergersi in una storia vera, reinterpretata con sensibilità e creatività da un collettivo che continua a innovare la scena teatrale contemporanea.

Eleonora Marino

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Dal 3 all’8 Febbraio 2026 al Teatro Quirino in Roma va in scena L’AMORE NON LO VEDE NESSUNO di Giovanni Grasso, uno spettacolo tra mistero e sentimento, un viaggio teatrale tra domande esistenziali, emozioni e suspense con Stefania Rocca e Giovanni Crippa.

Il Centro Teatrale Bresciano, il Teatro di Napoli – Teatro Nazionale, il Teatro Quirino e la Compagnia Molière presentano una nuova, intensa produzione teatrale: “L’amore non lo vede nessuno”, testo di Giovanni Grasso tratto dal suo omonimo romanzo. Sul palco brillano Stefania Rocca, Giovanni Crippa e Franca Penone, mentre la regia è affidata a Piero Maccarinelli, supportato dalla collaborazione artistica di Fabiana Di Marco. L’impianto scenico è firmato dallo stesso Maccarinelli, le luci sono di Javier Delle Monache, i costumi di Gianluca Sbicca e le musiche originali sono di Antonio Di Pofi. Carla Lanzetta riveste il ruolo di assistente alla regia, mentre la squadra tecnica comprende Maria Giovanna Stinga come direttrice di scena, Dario Salvagnini al fonico, Sabrina Solimando alla sartoria, con il supporto del service Fonomaster e dei trasporti Trasportiamo. La grafica è stata curata da Antonella Pizzetti.

Lo spettacolo, una coproduzione tra Teatro Quirino, Centro Teatrale Bresciano e il Mercadante di Napoli, ha avuto l’onore di chiudere il prestigioso Festival di Spoleto 2025. Dopo i successi delle precedenti prove teatrali di Grasso, “Fuoriusciti” e “Il Caso Kaufman” – quest’ultimo ancora in tournée al San Ferdinando di Napoli e al Teatro Sociale di Brescia – “L’amore non lo vede nessuno” si inserisce come la terza tappa di un percorso drammaturgico di grande impatto.

Ma di cosa parla questa pièce? È forse un giallo, come suggeriscono alcune atmosfere? E che legame può esserci tra Dio e un’indagine? Il pubblico è chiamato a interrogarsi sulla natura dei personaggi: chi sono realmente le due donne, la sorella e l’amica? E chi era Federica, la giovane morta in un incidente stradale? Da dove nasce l’amore? Domande profonde che, se trovassero risposta, svelerebbero forse il mistero stesso della vita.

La narrazione si dipana in due spazi distinti ma compresenti: da una parte la casa piccolo borghese di Silvia, sorella della donna scomparsa, dall’altra un piccolo bar di periferia, ambiente dai toni ambigui. In questi luoghi si intrecciano le vite e i destini dei tre protagonisti, in un confronto serrato che conduce lo spettatore a riflettere sulle grandi domande dell’esistenza, tra emozioni, mistero e colpi di scena. La regia di Maccarinelli, attenta ai dettagli e alle sfumature emotive, accompagna lo spettatore in un viaggio intimo e universale, dove ogni elemento scenico contribuisce a creare un’atmosfera sospesa tra realtà e introspezione.

“L’amore non lo vede nessuno” è uno spettacolo che coinvolge e commuove, lasciando spazio alla riflessione sulla complessità dei sentimenti umani e sulla ricerca, spesso vana, di risposte definitive. Un evento da non perdere per chi ama il teatro che pone domande e fa sognare.

Carlo Marino

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Da 27 gennaio al 1^ febbraio 2026 TINDARO GRANATA  e LUCIA LAVIA vanno in scena, al Teatro Sala Umberto in Roma, con IL MALATO IMMAGINARIO
di Molière. In questa nuova versione de Il Malato Immaginario, la messinscena firmata da Andrea Chiodi si distingue per una rilettura originale che intreccia la tradizione molieriana con suggestioni brechtiane e becketiane. L’adattamento non si limita a rinnovare il testo, ma ne esalta la dimensione metateatrale, rompendo frequentemente la quarta parete e dipanandosi in un gioco di distacco critico tipico del teatro di Brecht. Le dinamiche familiari e le ossessioni di Argante si colorano così di una nuova ironia, che invita il pubblico a riflettere sulle proprie nevrosi e sulle convenzioni sociali, senza mai perdere il tono irriverente e contemporaneo.

Allo stesso tempo, l’influenza di Beckett si avverte nella rappresentazione dell’attesa e dell’assurdo, che permea l’atmosfera dell’opera. L’ipocondria di Argante diventa una condizione esistenziale, quasi sospesa, che richiama il senso di immobilità e di ricerca di senso tipico dei personaggi beckettiani. In questo modo, la nuova lettura de Il Malato Immaginario trasforma la commedia in un viaggio onirico e surreale, dove il confine tra realtà e finzione si fa sempre più labile, e il riso diventa uno strumento di resistenza e di presa di coscienza.

Dopo il successo degli allestimenti dedicati a classici come La locandiera di Goldoni e La bisbetica domata di Shakespeare – per cui Tindaro Granata è stato candidato al Premio Ubu –, l’attore siciliano e il regista Andrea Chiodi tornano così a collaborare lavorando su uno dei testi più fortunati di Molière, Il malato immaginario.

Il 1673 è l’anno di composizione dell’opera: un nuovo attacco di Molière contro i medici, che testimonia, ancora una volta, il suo odio viscerale per questa categoria.

“Molière – scrive Giovanni Macchia, tra i francesisti più autorevoli del Novecento – è uno scienziato delle nevrosi”. È un uomo malato, che teme di morire, ma che sa anche che ridere e far ridere è una difesa contro quelli che erano i suoi stessi mali: la gelosia, il dolore, l’ansia, la malinconia. C’è, dunque, dietro commedie che sembrano fatte di comicità persino farsesca, l’ombra di un autoritratto, un gioco, dice Macchia, “tra assenza e presenza”.

Malato immaginario onirico e irriverente quello firmato da Andrea Chiodi, divertente e contemporaneo nel portare in scena le vicende familiari dell’ipocondriaco Argante, circondato da medici inetti e furbi farmacisti, ben felici di alimentare le sue ansie per tornaconto personale.

Come l’avaro Arpagone, Argante è vittima di se stesso e burattino di chi gli sta intorno, prigioniero della sua stessa paura, un’ossessione – l’ipocondria – che in questa nuova versione del capolavoro di Molière diventerà piena protagonista.

Interessanti le note di drammaturgia di Angela Dematté: 

“Il malato immaginario arriva alla fine di un periodo complesso per Molière: come in una corsa al massacro sociale si sposa con una donna che potrebbe essere sua figlia (e tanti pensano lo sia davvero), scrive opere sempre più scomode (subendo costantemente gli strali delle categorie che prende di mira: tartufi, misantropi, avari…) ed entra in conflitto con il musicista beniamino del re, Gianbattista Lulli. In questo stato scrive per sé il personaggio di Argante, malato immaginario. Come scrive Cesare Garboli: “La malattia di Argan soccorre il malato come un sedativo. Lo soccorre nel profondo bisogno di non esistere, di addormentarsi, di assentarsi, finché tutta la vita sia risucchiata dal nulla. Se la vita è male, asserisce Argan, si può viverla solo se si è ‘malati’, o si è irresponsabili e ciechi. Argan difende un asilo innocente, il suo diritto all’infanzia.”

Mi sembra che l’autofiction in cui tutti noi esseri umani siamo caduti da qualche tempo, questo nostro rappresentarci continuamente anche nei nostri malanni più intimi, sia molto simile alla malattia di Argante/Molière.

Vogliamo mostrarci malati, immolarci, morire in scena per trovare disperatamente qualcuno che ci accudisca, compatisca, perfino che ci derida o che ci odi: cerchiamo un qualsiasi sguardo genitoriale che ci permetta di esistere. Il re Luigi/padre sta già sostituendo Molière con un nuovo musicista/figlio, più furbo, leggero e di moda e – paradossale – con il suo stesso nome: Gianbattista. Molière non sarà più il commediante del re. Quello di Argante/Molière è un ultimo, disperato sforzo. Morendo, Molière ci deve aver detto qualcosa d’essenziale, di vicinissimo a noi. Si esiste solo se si è guardati. Si muore, talvolta, per esistere“.

Nelle note di regia Andrea Chiodi ha scritto:” ‘Io sono il malato!’, così grida Argante al fratello Beraldo e alla serva Tonina: “Io sono il malato!” … Mi sono chiesto se questo grido non fosse il grido disperato di un autore teatrale che, mentre scrive, si sente messo da parte, ridicolizzato dalla società, non più di moda e, nel caso di Molière, non più accettato a corte. Con questo lavoro ho cercato di mettere in scena questo grido disperato, il grido di un artista, la domanda di un artista, la domanda di chi cerca di far capire a chi parla la sua arte, il suo teatro, fino a morirci dentro, fino a decidere di essere malato per proteggersi dalla durezza della realtà. L’abbiamo fatto con il testo integrale e fedele con la sola aggiunta della supplica di Molière al Re, supplica in cui domanda: “Allora ditemi sinceramente, mio sovrano Signore, se volete che io scriva ancora delle commedie. Io non voglio dar fastidio a nessuno. Preferirei morire piuttosto che pensare che il teatro di Molière disgusta tanto da detestare il solo sentirlo nominare.”

Carlo Marino

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